音楽

2020.01.22

センター試験5割でも大丈夫？国公立の音大受験のセンター試験の割合

国公立音大の受験は、センター試験を受けることが必須です。
しかし、一般の国公立大学に比べるとセンター試験の割合は低く、実技試験などの個別試験の点数の方が重視されます。

なんと実際の合格者の中には、「センター5割でも合格した」という人もいました‥‥。

実技の練習に加えて、副科のピアノの練習やソルフェージュ、楽典の勉強など、音大受験生は大忙しです。センター試験の勉強は効率よくおこないたいと思いますよね。

国公立の音大受験に合格するには、センター試験の点数はどのくらい必要なのか、各大学別のセンター試験の重要度についてもお伝えしていきます。

国公立音大受験のセンター試験の重要度

国公立音大の試験では、実技試験などの個別試験が重視される傾向にあります。

一般的な国公立大学の受験では、センター試験のあとに2次試験を受けて合格発表になりますが、国公立音大の試験は2次試験が2〜3回あります。

各国公立大学ともに、ひとつの試験に合格しなければ次の試験に進めず、センター試験の成績が反映されるのは、最終試験の判定のみです。

つまり、実技の1次試験に合格しなければ、センター試験でどれだけ良い点をとっても水の泡ということです。

日本の国公立音大はたった4つ

日本の国公立の音大は4校です。

・東京藝術大学
・愛知県立芸術大学
・京都市立芸術大学
・沖縄県立芸術大学

各大学によって、試験の内容が異なるのはもちろん、センター試験の点数の割合も変わってきます。
大学別に、全体の点数とセンター試験の点数の割合を見ていきましょう。

大学別、センター試験の重要度

東京藝術大学

東京藝術大学の試験は、センター試験ののちに、実技試験が数回あります。（専攻によって異なるが2〜3回、楽理科と音楽環境創造科は例外。）

それぞれの試験は前の試験に合格した人のみ次の試験を受けることができ、最終試験の後の合否判定のときにのみ、センター試験の点数が反映されます。

最終合格発表の判定に、センター試験の点数が何割反映されるのかははっきりとは発表されていません。

以下、公式サイトからの引用です。

“入学者の選抜は大学入試センター試験及び本学が実施する個別学力検査、実技検査、小論文、面接並びに出身学校長から提出された調査書の各資料を総合して判定する。”（東京藝術大学2020年度入学者選抜要項より）

愛知県立芸術大学

愛知県立芸術大学の試験は、センター試験の後に2回実技試験があり、2回の実技試験に合格した人が最終試験に進むことができます。

最終試験の後の合否判定のときにのみ、センター試験の点数が反映されます。

愛知県立芸術大学も、東京芸大と同様に、最終合格発表の判定に、センター試験の点数が何割反映されるのかははっきりとは発表されていません。

以下公式サイトからの引用です。

“専門実技試験の結果に加え、音楽の基礎能力試験と大学入試センター試験の結果を総合して判定します”（愛知県立芸術大学入学者選抜に関する要項）

京都市立芸術大学

京都市立芸術大学の試験は、センター試験の後に実技試験があり、それに合格した人が最終試験に進むことができます。

京都市立芸術大学の最終合格発表の判定は、実技などの個別試験の点数が1300点満点、センター試験の点数が600点満点で計算されます。
センター試験の点数の割合は全体の24%、2.4割となります。
（音楽学専攻はセンター試験の割合が32%、3.2割）

沖縄県立芸術大学

沖縄県立芸術大学の試験は、センター試験の後に実技試験があり、それに合格した人が最終試験に進むことができます。

沖縄県立芸術大学の最終合格発表の判定は、実技などの個別試験の点数が700点満点、センター試験の点数が300点満点で計算されます。
センター試験の点数の割合は全体の30%、3割となります。
（音楽文化はセンター試験の割合が40%、4割）

国公立音大受験はセンター5割でも合格？

国公立音大は、どこも比較的レベルが高く、難関です。
実技の練習に時間をかけたい音大受験性にとって、センター試験の勉強ばかりに時間をかけていられないと思いますよね。

しかし、せっかく実技で良い点数を取っていたのに、センター試験の成績のせいで不合格になってしまうなんてことは絶対避けたいものです。

大学によりますが、センター試験の成績は6〜7割を取っていれば十分でしょう。
もちろん、良い点数を取るに越したことはありません。ですが、音大受験生に取って一番大切なのは専攻実技の試験の準備です。

万が一、センターが5割だったという方も、十分挽回のチャンスがあります。
実際にセンター5割で国公立音大に合格している人は（多くはないかもしれませんが）さほど珍しくありません。

まとめ

国公立音大の受験においてセンター試験の重要度はあまり高くありません。しかし、各大学の最低限の点数は取れるように準備をしておきたいものです。

大学によっては、合格判定にセンター試験の点数がどのくらいの割合で反映されているか公開していないところもあります。

年によっても受験の情報は変わってきますので、詳しくは各大学の公式サイトから募集要項などを参照ください。

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2020.01.19

普通科高校から現役で音大合格をした私がひと月にかかっていた音大受験のレッスン料

音大受験は、なにかとお金がかかると聞きますよね。

音大を受験するには、専攻楽器の個人レッスンにくわえ、副科ピアノのレッスンやソルフェージュのレッスンも必要です。

音大受験のレッスン料は、習う先生や住んでいる場所によって、かかる費用が変わってきます。

筆者は普通科の高校出身でしたので、学校とは関係なく自分で個人レッスンに通って、公立の音大に現役で合格しました。

お金のことはなかなか人に聞きづらい、という方も多いかもしれません。

そんな方のために、このコラムでは筆者が音大受験の際に実際にかかっていたレッスン料を赤裸々にお伝えしていきます。

これから音大を受験したいと思っている方は、ぜひ参考にしてみてください。

音大受験のレッスン料

音大受験のためのレッスンは専攻楽器のレッスンだけではありません。
音楽科高校に通っていない人は、副科ピアノのレッスン（専攻がピアノでない場合）やソルフェージュのレッスンも必要となってきます。

専攻楽器のレッスン料

楽器のレッスン料は、先生によって異なります。

良い先生のレッスン料が高くて、そうでない先生が安いとは限りません。

「人による」としか言いようがありませんが、音大で教えている先生のレッスン料の相場は、1レッスン約1万円〜2万でしょう。

高校入学からずっと習っていた地元の先生（A先生としましょう）のレッスン料は、1レッスン5,000円でした。

A先生のレッスンに加えて、高校3年生の夏以降は受験したい音大で教えていらっしゃる先生（B先生としましょう）のレッスンに通っていました。B先生のレッスン代は、1レッスン1万円でした。

B先生のレッスンを受けていた人たちは、「B先生のレッスンが1レッスン1万円というのは好意的な料金」と言っていたので、音大の教授レベルの先生にしてはレッスン料が1万円というのは高くない料金ということだったのでしょう。

私は地方に住んでいたので、受験までの期間、B先生のレッスンい通うために新幹線で関東まで通っていました。学割を使っても往復の交通費は約2万円かかっていました。

A先生のレッスン月2回×5,000円＝10,000円
B先生のレッスン月1回×10,000円＝20,000円
B先生のところへ通うための交通費＝約20,000円

受験直前の半年は、専攻のレッスン料だけでひと月に5万円かかっていました。

副課ピアノ、ソルフェージュのレッスン料

私は普通科高校に通っていたので、ピアノやソルフェージュのレッスンも個人で習いに行っていました。

高校2年生までは、子供のときから習っていたピアノ教室でピアノを習い、ソルフェージュは独学で勉強していました。

しかし、「絶対音大に現役で合格したい」と思ったので、大学で教えていらっしゃる先生を紹介していただきました。

その先生は、ピアノもソルフェージュも教えていらっしゃったので、その両方のレッスンをお願いしていました。

1レッスン1時間で、30分ずつピアノとソルフェージュのレッスンをしていただいて、レッスン料は5,000円でした。

月に4回通っていたので、副科ピアノとソルフェージュのレッスン料はひと月に2万円かかっていました。

まとめ

普通科高校に通いながら音大受験を受験するには、
・専攻楽器のレッスン
・副科ピアノのレッスン
・ソルフェージュのレッスン
に通う必要があります。
それぞれ、習う先生によってレッスン料は変わってきますが、すべて合わせると、ひと月に5万円くらいはかかってくることが多いでしょう。

地方在住の方は、有名な先生に習おうとするとレッスン料に加えて、交通費もかかってきます。

音楽大学を受験するには、音楽の専門的な技術や知識をある程度身につける必要がありますので、この程度のレッスン料がかかってくることを覚悟しなければなりません。

音大受験当時、受かるかもわからない音大受験のために、レッスン料を負担してくれていた両親には感謝の気持ちでいっぱいです。

2020.01.19

レッスン代を封筒に入れて渡すときのマナー

楽器などの習い事のレッスン代を手渡しするときには、マナーがあります。

芸事の世界はマナーが大切です。
気にしない先生もいるかもしれませんが、最低限のマナーは知っておきたいものです。

マナーを知らないと、知らず知らずのうちに恥をかいたり、指摘はされないまでも、レッスンの先生を不快な気持ちにさせてしまうかもしれません。

最近は、レッスン代をキャッシュレス決済や振り込みでの支払いをおこなうことも増えてきているようですが、まだまだ手渡しで渡す機会も多いでしょう。

レッスンをするほうも受けるほうも気分よくいられるために、レッスン代を封筒で渡すときの最低限のマナーを知っておきましょう。

レッスン代は封筒に入れよう

レッスン代を渡すときは、現金を見えないようにして渡すのが鉄則です。
レッスン代はきちんと封筒に入れましょう。

どんな封筒に入れるのが良いのか、レッスン代を封筒で渡すときの基本的なマナーについてご紹介していきます。

レッスン代を入れる封筒

レッスン代を入れる封筒は白色の無地のものを使用するのが無難です。
茶封筒や、郵便番号をかく欄があるものは避けた方が良いでしょう。
また、透明なものや薄くて透けるものはお金が見えてしまうので好ましくありません。

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レッスン代を入れるのは、このような白無地の封筒がおすすめです！

封筒には、特に何も書かなくても大丈夫です。
同じときに複数の受講者がいるときなどは、裏面に自分の名前をかいておくと親切かもしれません。

レッスン代は新札がいい？

音大の先生に習うときは「新札でなければいけない」と聞いていたので、いつも新札を準備していました。

マナー的には新札で渡すことが望ましいです。
実際にはそこまで気にする方と気にしない方がいると思います。

ですが、しわくちゃのお札で渡されるより、きれいなお札でもらったほうが気分が良いですよね。銀行で新札に両替をしにいくまではしなくても、きれいなお札を封筒に入れて渡すようにしましょう。

やってはいけないレッスン代の渡しかた

レッスン代を封筒に入れて渡すときには、やってはいけないタブーがいくつかあります。
これを知らないと知らないうちに、すごく失礼なことをしてしまっているかもしれませんよ。
レッスン代を手渡しで渡している人は必読です！

現金をそのまま渡す

レッスン代を財布から取り出して、そのまま渡すのは完全にマナー違反です。

レッスンでのお金のやりとりは、現金直接を見せずにおこなうのが基本ですので、レッスン代は必ず封筒につつむようにしましょう。

生徒さんによってレッスン代が異なる場合もありますし、生々しいお金のやりとりはできるだけ避けるのがマナーです。

お釣りを求める

レッスン代はぴったり準備しましょう。先生にお釣りを求めるなんて論外です！

また、もらった人が困るような細かいお金で渡すのは避けた方が良いでしょう。
例えば、5,000円のレッスン代は千円札が5枚ではなく、五千円札で渡す方が好ましいです。

片手で渡す

レッスン代を渡すときは感謝の気持ちを込めて渡すようにしましょう。
封筒を両手で持って、「ありがとうございました」という言葉を添えて渡すと良いですよ！

レッスン代を渡すタイミングは？

かっレッスン代を渡すタイミングは、レッスンが終了してすぐが一般的です。
楽器のレッスンでしたら、カバンやもったり上着を着る前にお渡しするのがベストです。あまり、帰るギリギリまで渡さないと「忘れているのではないかな？」と先生を不安な気持ちにさせてしまうかもしれません。
レッスンが終了したら、タイミングの良いところで早めにお渡ししましょう！

まとめ

レッスン代を封筒に入れて渡すときは、

・白色の無地の封筒で
・できれば新札で（難しければできるだけきれいなお札で）
・感謝の気持ちを込めて

渡しましょう！

お金のやりとりはあまり生々しくおこないたくないものです。
ご紹介してきたマナーは最低限のことですので、しっかり覚えて楽しいレッスンライフを送りましょう！

2020.01.18

クラリネットのキャップはマメにしよう！

クラリネットを吹いていないとき、キャップをしていますか？
楽器を吹いていなくて、机に置くとき、スタンドに置いておくとき、合奏の部屋まで移動するとき、クラリネットを演奏していないときはいつもキャップをするクセをつけましょう。

プロの奏者は、曲中の何小節かの休みでさえ、キャップをする人がたくさんいます。

クラリネットのキャップをマメにするべき理由はひとつ、

「大切な楽器を守るため」です。

クラリネットのキャップをすることで、リードの先端とマウスピースの先端の両方を守ることができます。
大切な楽器を守るために、クラリネットのキャップはマメにつけましょう。

クラリネットにはキャップが必要

クラリネットを大切に扱うにはキャップは必要です。
なぜキャップが必要なのか、キャップを使用しないとどんな不具合が起こるのかお伝えしていきます！

クラリネットのキャップの役割

クラリネットのキャップは、マウスピースとリードの先端を守るためにあります。
楽器をしまう時はもちろん、楽器を演奏していない時間は、たとえ短時間でもいつもキャップをするように心がけましょう。

クラリネットにキャップをしないと

クラリネットのキャップをしていない状態で、先端をぶつけてしまったら大事故です！

クラリネットのリードの先端は繊細です。万が一、キャップをしていない状態でぶつけてしまうと高確率でリードが割れてしまいます。

また、マウスピースの先端も、とても簡単に傷ついてしまいます。
マウスピースは通常ですと約2〜3年は使用できますが、年々劣化していきます。マウスピースに細かい傷がつくと、劣化を早めてしまいますし、マウスピースは少しぶつけただけで、先端がかけてしまうおそれがあります。

楽器を守ることは自己責任

合奏の場所では多くの人が行き交います。自分の楽器は自分の責任で守らなければいけません。

・人が通る危険な場所には楽器を置かない
・楽器は安定しているところに置く
・楽器を置く時は必ずキャップをする

以上のことは最低限おこなって、長時間楽器を吹かないお昼休憩などは楽器はケースにしまうことが望ましいです。

クラリネットのキャップをなくしてしまったら

クラリネットのキャップは吹いている間にどこに置いたかわからなくなってしまうことがよくありますよね‥‥（私はよくあります）
万が一キャップが見つからない時はどうしたら良いのか。お伝えしていきます。
これを知らないと、大切なマウスピースを傷つけてしまうおそれがあります。

そのままケースにしまうのはNG

クラリネットのキャップをせずに、マウスピースを直で楽器ケースにしまうのはNGです。マウスピースの先端が傷つきやすく、たとえ布のようなものでも触れ合ったり摩擦によって細かい傷が生まれてしまいます。

傷がつくことによって鳴りが悪くなったり、マウスピースの寿命を縮めてしまう原因になります。

クラリネットのキャップがどうしてもない時は、マウスピースはマウスピースを買った時の箱にしまいましょう。

なんでも良いのでキャップを準備しよう

キャップはクラリネットに必要不可欠なものです。
キャップが見つからない時は、すぐに新しいものを買うなどして代わりのものを手に入れましょう。

当たり前ですが、クラリネットはキャップによって音色が変わることはありません。
なので、キャップはサイズさえ合っていればなんでも良いです。
1,000円以下でも購入することができますできますので、クラリネットのキャップがない方はすぐに購入をおすすめします！

1000円以下で購入できるクラリネットのキャップ

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このようにキャップだけで購入できます！

こんなキャップはダメ

キャップは基本的になんでも良いですが、サイズが合っていないものはダメです。

・クラリネット用でないもの（サックスやバスクラリネット用のもの）
・キャップをしたときに、リードやマウスピースの先端があたってしまうもの

こんなキャップはダメです。
せっかくキャップをしていても、キャップにマウスピースの先端があたってしまっていては意味がありません。

リガチャーに合わせてキャップを選ぼう

クラリネットのキャップを選ぶコツはズバリ、「落ちやすくないか」です。

クラリネットのキャップをしていたのに落としてしまって、「カランコローン！！」と大きな音を立てて落としてしまった経験、ありませんか？

キャップはなんでも良いですが、
・マウスピースの先端がキャップの内部にあたっていないか
・リガチャーにはめたときに落ちやすくないか

という2点は確認すると良いです。
とはいえ、上でご紹介したキャップは、基本的にこの2点をクリアしていると思います。
リガチャーとセットになっているキャップがあれが望ましいですが、そうでなくてもサイズが合っていれば問題はありません。

まとめ

クラリネットのキャップはマメにしましょう。演奏していないときはいつもキャップをするクセをつけると良いです。
キャップは基本的になんでもはまるので、ゆるすぎないものでしたら問題ありません。

おまけ

こちらのシルバースタインのオムニキャップは、マウスピースの先端にはめるタイプなので、どんなリガチャーでもぴったりはまります。
キャップを落として大きな音をたててしまうおそれもありません。

少し柔らかい素材なので、強い衝撃には弱いですが、よっぽど強くぶつけない限りは問題ないでしょう。

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2020.01.12

フォーカルジストニアは完治することができるのか

職業性のジストニア、フォーカルジストニア（局所性ジストニア）とは、ある一定の動作の動きをしようとしたときに、身体の一部が思い通りに動かずに固まってしまったり、震えてしまったりする病気です。

フォーカルジストニアは、楽器演奏に支障をきたすものとして、近年多くの音楽家が苦しんでいます。

フォーカルジストニアの基本的なことについてはこちらの記事でご紹介しています。
ミュージシャンのジストニアという病気について

明確な治療法が確立されていないフォーカルジストニアは、完治することができるのでしょうか。

手術によって完治した人や、長年のリハビリ治療によって完治したという人を聞いたことがあります。
また、あるとき突然治ってしまった人がいるという話も専門家の先生から聞きました。

しかし、それは一部の人です。
多くのフォーカルジストニア患者は長年症状に苦しみながらなんとか楽器を演奏したり、演奏家としての道を絶ってしまったりしています。

フォーカルジストニアは自身の意思や努力に応えてくれるように完治することができる病気ではありません。

この記事ではクラリネット奏者であった私がフォーカルジストニアになってからのことを綴っていきます。

主観的になってしまいますが、実際に起きたことや感じたことを詳細にお伝えすることによって、フォーカルジスニアの現実を知る手助けになれたらと思います。

さまざまな改善方法を試した結果として、私のフォーカルジストニアの症状は徐々に軽減していきました。
しかし、今現在でも完治はしていません。

・フォーカルジストニア発症
・フォーカルジストニアの症状の緩和
・フォーカルジストニアの完治を目指した結果

以上の項目にわけて、私がフォーカルジストニアの完治を目指していった過程をお伝えしていきます。

フォーカルジストニア発症

私はクラリネット奏者として生活をしていましたが、今から約2年前にフォーカルジストニアの診断を受けました。

当時の私は、フォーカルジストニアの存在を知らず、診断の1年ほど前から「なんか指が回らないな」という気付きはありましたが、自分がフォーカルジストニアだと自覚するまでに時間がかかってしまいました。

結果として、「指が明らかにおかしい」と気付いたときには、左手の小指が全く機能しなくなるほど、ひどい状態になっていました。

フォーカルジストニアは、突然発症する人もいますが、少なからず前触れがあることが多いです。

当時の状態では、これまでに自分がおこなっていた演奏活動を続けることは不可能でした。
レッスンの仕事と一部の演奏の仕事を除いた全ての本番をキャンセルせざるをえませんでした。

「演奏活動を休止して、1年後に復帰します！」
と高らかに宣言していました。
何を根拠に１年と言っていたかは覚えていませんが、このときの私はフォーカルジストニアが1年で完治すると思っていました。

【私はジストニアを隠さないことにした】私のジストニアの症状と経緯と気持ちについて書いてみました。超長いです。拡散していただいても結構です。① pic.twitter.com/nOClPWokn3

— Ryoko Kuzushima (@klcry9) 2018年2月13日

さまざまな治療法を調べ、フォーカルジストニア完治へ向けての日々が始まりました。

フォーカルジストニアの症状の緩和

フォーカルジストニアの症状が緩和していったきっかけはいくつかあります。
主に以下の3つのことがあげられます。

・フォームの改善
・症状の出る仕組みを理解
・感覚再起のリハビリ（SMR治療）

フォームの改善

改善への大きなきっかけは4スタンス理論に出会ったことでした。

4スタンス理論とは、“身体の使い方によって人は4つのタイプに分かれ、自分のタイプにあったフォームや動きをすることでパフォーマンスを効率よく最大限に生かす ”といった理論です。

4スタンスを提唱している整体「廣戸道場」でタイプ診断と、自分にあった楽器の構え方の指導を受けました。

フォーカルジストニアになる以前の私のフォームは、自分の身体の特性にあっていないものでした。
自分の身体にあったフォームに改善をすることで、自然に指が動きやすい形を見つけることができました。

結果として、ジストニアの症状は軽減しました。
自分にとっての正しい身体の使い方を理解し、ジストニアの症状がひどく出るフォームを回避することができるようになったからです。

4スタンス以外にも、ジストニアの研究をされているイザベル・カンピオン先生の講座を受けたことも、フォーカルジストニアの改善に有益な経験でした。

イザベル先生の講座で、より深く身体の仕組みについて理解することができました。
肩甲骨をしっかり使うことによって、指の動きまで改善するということを知ることができ、イザベル先生に教わった肩甲骨のストレッチは毎日おこなっています。

症状の出る仕組みを理解

私の場合は、「左手の小指が丸まってしまってうまく動かない」いうのが主な症状です。
しかし、小指だけ動かすとほぼ問題なく動くのです。
クラリネットを構えて、左手の薬指をおさえたときのみ、小指が動かなくなります。

フォーカルジストニアの特徴として、ある一定の動作のときにのみ指などが思い通りに動かなくなるということがあります。

ジストニアの症状が出はじめると、どんどん指が丸まってしまってしまうので、できるだけ症状がでない方法で演奏をするようしていました。

根本的な解決にはなりませんが、左手の小指を浮かせていると震えや丸まりなどの症状が出てしまうので、左手の小指はキーの上にそっと置いておくようにしました。

フォーカルジストニアの症状がこれ以上ひどくならないようにすることによって、コツコツと少しずつできることを増やしていきました。

感覚再起のリハビリ

実際にフォーカルジストニアの症状の改善が叶ったのは「SMR治療（Sensory motor returning）」と呼ばれるリハビリ治療のようなもののおかげだったと思います。

音楽家のフォーカルジスニアは、症状がなくなって治るということは考えづらいです。
悪いものがとれるて治る、のではなく、新しい感覚を身体に覚えさせるといった方向で治療をしていくのが良いということに気づきました。

フォーカルジストニアでは、「症状を引き起こしている指」を固定すると、「症状が出ている指」が動くようになるのです。
言い方を変えると、「症状を引き起こしている指」のせいで、隣の指に症状が出てしまっているのです。

フォーカルジストニアは「症状が出ている指」と「症状を引き起こしている指」があります。
SMR治療の特徴は、「症状が出ている指」を自由に動かすために、「症状を引き起こしている指」を固定します。

このように突き指を固定する器具を使用して「症状を引き起こしている指」を固定しています。

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この治療は指を固定する道具さえあれば、自分でおこなうことができます。

SMR治療を指定された期間おこなうことによって、何も吹けなかった頃の指の状態から回復することができました。

結局、局所ジストニアは脳の問題なので、自由に指が動くことを再び記憶させてあげることが解決策。しかし楽器を持つと動かない、楽器を持った状態でジストニアではない指、（ジストニアを引き起こさせる隣の指）を固定するとジストニアの指が自由に動いた。それを時間をかけて記憶させていきました。
— Ryoko Kuzushima (@klcry9) 2018年4月13日

このほかにも、
・整形外科への数回通院（リハビリの方法を習う）
・カイロプラクティック
・神経科への相談

などさまざまな治療を試しました。特定の病院に通院することはせず、毎日の身体の使い方の改善やSMR治療によって、フォーカルジストニアの症状を回復させていきました。

フォーカルジストニアの完治を目指した結果

これまでにご紹介した方法で、フォーカルジストニアの症状は完治とは言えないまでも、著しく改善していきました。

フォーカルジストニアの診断を受けてから1年後には、小さなコンサートに出演、その半年後にはソロのリサイタルをおこないました。

今日は岐阜県各務原市内藤記念くすり博物館のクリスマスコンサートで演奏させていただきました。約1年ぶりにドレスを着て、楽譜を見て人前で演奏しました。自分の思うように身体を動かす術をたくさん身につけました。もう怖くありません。これからはどんどん人前で演奏していきたいと思っています。 pic.twitter.com/XTANKkg0Gs

— Ryoko Kuzushima (@klcry9) 2018年12月22日

しかし、ソロのリサイタルの練習の最中、どうしてもできない運指のテクニックがいくつもあり、「やはり完治はしていないんだ」という現実に直面しました。

その数ヶ月後にオーケストラの仕事を引き受けたときに、絶望を味わうことになります。

何度本番をおこなっても、やはり、同じ箇所の指の動きができない。
オーケストラの仕事で音がかけてしまうのはあり得ません。

なんとかして指を動かそうとした結果、フォーカルジストニアの症状がまたひどく出るようになってしまいました。

「症状を抑える術をたくさん覚えても、フォーカルジストニアの根本的な解決はしていないんだ。」
「これ以上の症状の改善は望めない。完治は不可能なのではないか。」

それは、フォーカルジストニアになったことが発覚した時と同じくらい、またはそれ以上に深い絶望でした。
ここではじめて、「フォーカルジストニアである自分自身を受け入れられていない」ことに気づきました。

フォーカルジストニアになる以前と同じような活動に戻ることを、どこかで夢見ていました。

しかし、フォーカルジストニアを持った自分を受け入れて、できることをしていくしか楽器を続ける方法はない。
その事実を受け入れるのはとても辛かったです。

日本ではフォーカルジストニアの外科手術が存在します。私は、手術はおこなわないと心に決めていたのですが、この絶望を受けて、手術を検討するようになりました。　

私が局所性ジストニアの定位脳手術を受けようと思った理由

正直、手術には抵抗がありました。
手術だけが、完治の道とは思っていません。

しかし、後悔しない覚悟があるのならば、フォーカルジストニアの完治に近づく方法のひとつである手術を受けるという選択肢もあります。

何年もかけてフォーカルジストニアが完治した、という話を聞いたことがあります。
しかし、音楽家としての仕事を十分にできないまま数十年後に完治したところで、何が待っているのでしょうか。
練習を止めたら、もう戻らない技術も、仕事もあるのは事実です。

多くの音楽家が完治まで待てずに、治療を止めてしまう理由が今はよくわかります。

フォーカルジストニアの状態では最低限の演奏技術を維持していくことでさえ、困難だと思います。
仕事が十分にできなく、生活も変わります。日々の手の調子によって左右され、練習をしても、技術が積み重なっていくことは難しいです。

フォーカルジストニアになってしまったら、病気とどのように付き合って生きていくのか、何度も自分と向き合って生きていかなければなりません。

まとめ

フォーカルジストニアの完治は難しいです。

クラシックの演奏家として活動する以上、できない運指や、できない音の並びがある状態で仕事をしていくのは困難です。聴いている人が大丈夫といっても、なんとか演奏できている裏には、ジストニア患者本人の身体の無理と激しい心への負担がかかっています。

私の主治医の神経科の先生もおっしゃっていましたが、フォーカルジストニアとは正面から向き合うのではなく、一緒に過ごすくらいの気持ちで付き合うのが良いでしょう。
向き合えば向き合うほど、うまくいかないのがフォーカルジスニアです。

フォーカルジストニアが治らないという現実について受け入れられてからが、本当の完治への道かもしれません。

2020.01.09

クラリネットのタンギングで1番大切なこと

クラリネットのタンギングは難しい、、、と悩んでいる人は多いのではないでしょうか。
クラリネットのタンギングで1番大切なことは「楽器に息をしっかり入れること」です。

タンギングが上手くいかないと、つい「舌のつき方」がよくないと考えてしまいがちです。
しかし、タンギングが上手くいってない人は、楽器に息がしっかり入っていないことが原因になっていることがほとんどです。

この記事では、クラリネットのタンギングがきれいにできるようになるための大切なことをお伝えしていきます。
「こんなタンギングは良くて、こんなタンギングはダメ！」というクラリネットのタンギングあるあるもご紹介。

クラリネットのタンギングはいやだな、と思っている方もこの記事を読めば、苦手意識がなくなりますよ！

正しいクラリネットのタンギング

タンギングとは、舌で息の流れを切ることです。
クラリネットでタンギングをするときの息の入れ方は、ロングトーンのときと同じで、真っ直ぐに一定のスピードの息を入れ続けます。その上で、リードに舌をついて音を区切っていきます。
スタッカートやアクセントがついていないタンギングでは、基本的には音を短く切ったり、息を動かしたりしません。

・クラリネットのタンギングの仕方

クラリネットでタンギングをするには、舌の先端近くがリードの先端近くに軽く触れるように「TU-（トゥー）」と言います。

きれいなタンギングをめざすかたは、ぜひ以下の順序を試してみてください。

①楽器を吹かずに、口で「トゥートゥートゥー」と言ってみる

「ツー」でも「チュー」「トー」でもなく「トゥー」です！
これによって、クラリネットのタンギングのときの舌の動かし方の感覚を掴みましょう。

②楽器をくわえて、音は出さずにタンギングをしてみる

アンブシュアはしっかり作って、楽器に軽く息を吹き込み、音はまだ出さずにタンギングをしてみましょう。
①で行った「トゥートゥートゥー」という感じでリードに舌をつきましょう。
ここでポイントは、舌はリードにできるだけ軽く触れることです。
舌がリードに強くあたると、きついタンギングになってしまいます。

③音を伸ばしてみる

まずはタンギングする前に、タンギングする音をロングトーンしてみてください。きれいなタンギングにはしっかりとした息が入っていることが必須です。

④いよいよタンギングをしてみる

③でロングトーンをした息と同じくらいしっかり楽器に息を入れて、ゆっくり「トゥートゥートゥー」とタンギングをしてみましょう。息はずーっと入れっぱなしです。（ロングトーンのときの息と同じ）

どうでしょうか？タンギングはできましたか？
以上が基本のタンギングのやり方です。‥‥と言ってもどんなタンギングが良くて、どんなタンギングがダメなのかわからないですよね。
次に、タンギングの良い例とダメな例をご紹介していきます。

・きれいなタンギングとは

きれいなタンギングとは、

・はっきり音と音が切れている
・発音の音（舌がリードに触れる音）や雑音が聞こえない
・音によって強かったり弱かったりしない。

・タンギングのダメな例

こんなタンギングはあまり良くありません。

・はっきりと音が区切れていない
・テーンとリードを弾くような音がする
・雑音が鳴っている
・音によって強さや音色にムラがある

舌をリードにつく力が強かったり、舌に力が入っていたりすると、きついタンギングになってしまいます。
舌の力を抜いて、「リードに舌をつく」というよりは、「リードに舌が触る」くらいのイメージでタンギングをするとよいでしょう。
雑音や音のムラの原因は、息が入っていないか、アンブシュアが安定していないことかもしれません。

クラリネットのタンギングをきれいにつく３つのコツ

タンギングをきれいにつくコツは、

・しっかりとしたスピードの速い息を入れる
・アンブシュアや喉など、舌以外の場所を動かさない
・舌の力は抜いて、リードに軽く触れるだけ

以上の3つです。どれも基本的なことですが、クラリネットのタンギングにおいてとても大切なことです。
意外とこの3つができていない人は多いのではないでしょうか。

ここからは、クラリネットのタンギングをきれいにつくコツについて詳しくお伝えしていきます。

クラリネットのタンギングは息が大切

クラリネットのタンギングにおいて、舌の動きはそれほど難しいものではないと思います。
タンギングが上手くできない人は、多くの場合、息がしっかり入っていないのです。

「息がしっかり入る」というのはどういうことなのか、ご説明していきます。

クラリネットを吹くときの息は、スピードが大切

クラリネットを吹くときの息は、スピードの速い息が基本です。
スピードの速い息とは、「はぁ〜」っとはく暖かい息ではなく、「ふーーっ！」と吹く、ロウソクの火を消すような勢いのある息です。

クラリネットに限らず、管楽器の音は、主に息によってできています。
上手な人は、軽々と吹いているように見えても、スピードが速い息を安定して吐いているのです。

音のはじめから終わりまで、スピードの速い息を吐くことができるように練習してみましょう！
特に、音の出はじめからスピード感のある息が出せるように意識しましょう。
音の出はじめからしっかり息が入ると、音の立ち上がりも安定します。

クラリネットのタンギング練習をするときは、スピードの速い息を吐き続けることをしっかり意識することが大切です。
タンギングをすると、つい舌の方に意識が集中してしまいがちですが、タンギングのときに1番大切なのはしっかりと息が入っていることです。

タンギングのときにアンブシュアが動いていませんか

「クラリネットのタンギングが速くできない」という人は、舌以外の場所が動いているかもしれません。
タンギングをするときに下あごが動いてアンブシュアが不安定になってしまうと、きれいにタンギングができているように思えても、テンポを上げようとしたときにできなくなってしまうおそれがあります。

なぜかというと、舌以外の場所が動くのはすベて余分な動きでだからです。余分な動きがあると、テンポアップしようとしたときに、これ以上速く身動けないという壁にぶつかってしまうでしょう。

タンギングのときにアンブシュアが不安定になってしまうという人は、記事の前半でご紹介した「クラリネットのタンギングの仕方」に戻ってみてください。

タンギングのときにアンブシュアが動いてしまう人の解決方法

楽器をくわえずに、口だけで「トゥートゥートゥー」というタンギングのときの舌の動きをしてみてください。そのときにアンブシュアを作った状態で、アンブシュアを動かさずに舌の動きができているか確認しながら行いましょう。

次に、楽器をくわえて音は出さずに息を軽く楽器吹きこみながらタンギングしてみます。このときも、吹いているときとまったく同じアンブシュアができているか、アンブシュアが動いていないかをしっかり確認しながら舌を動かしましょう。

そして、普通に楽器を吹いてタンギングをする。これでアンブシュアが動いていなければOKです。もし動いてしまう人はひとつ前のステップに戻りましょう。

タンギングのときにはアンブシュアが不安定になりがちです。鏡をみながら練習を行なって、徹底的になおしましょう。一度ついてしまったクセをなおすのはとても大変ですが、気付いたらいち早くなおすように努めることが今できる最善の方法です！

タンギングの舌づかいについて

クラリネットのタンギングの時の舌の動きは「軽く、やさしく」が基本です。舌に力が入ってしまうと発音が強くなってしまって汚い音の印象になってしまいます。

クラリネットのタンギングの時の舌とリードの触れ合う位置

クラリネットのタンギングの時、舌のつく位置はリードの先端近くです。リードの先端の数ミリ下のところがよいでしょう。あまり下の方ですと、抵抗が大きくなってしますので良くありません。しかし、一番先端のところに舌が触れるとタンギングしているうちに血が出てしまいますので気をつけましょう。

リードに触れる舌の位置も、舌の表の先端近くです。こちらも舌の本当に先端部分でタンギングをすると、舌が切れてしまうおそれがあります。しかし、舌の奥の方でつくのは、そもそも動かしづらいですし、身軽に動かすことができないので良くないです。

また、舌とリードがいつも向き合っているようにしましょう。舌をリードから離したときに、舌の向きがあっちこっちせずに（舌が口の奥に行ってしまうのは良くありません）、舌の動く距離は少なくするように心がけてください。

まとめ

クラリネットのタンギングのときには、息がしっかり入っていることが、まず1番大切です。

タンギングをきれいにつくコツは、
・しっかりとしたスピードの速い息を入れる
・アンブシュアや喉など、舌以外の場所を動かさない
・舌の力は抜いて、リードに軽く触れるだけ

です。速いタンギングをできるようになりたいと思っている人も、まずは基本的なタンギングがきれいにできているか確認してみましょう。きれいにタンギングができるようになったら、テンポを速くしていくことはさほど難しいことではありません。
基本のタンギングをマスターして、タンギングへの苦手意識を減らすことができるとクラリネットの演奏がもっと楽しくなりますよ！

2020.01.04

チンドン屋の定番曲はこれで決まり！絶対におさえておきたい5曲

チンドン屋は、シチュエーションに応じてさまざまなジャンルの曲を演奏します。
たくさんの曲のレパートリーをもっているチンドン屋ですが、「チンドン屋ならではの曲」というのは意外と少ないのです。
こちらで紹介する5曲さえ知っておけば、チンドン屋の曲について詳しくなれます！

1.竹に雀

チンドン屋の曲といえば、竹に雀、通称「タケス」です。
竹に雀とは、竹に雀が止まっている絵面のように「取り合わせの良いもののたとえ」です。
タケスはもともと、下座音楽といって歌舞伎などの舞台袖で演奏される音楽として、三味線などの邦楽の楽器で演奏される曲でした。

チンドン屋では、はじめの一曲として演奏されることが多く、また、チンドン屋なら誰でも知っている曲です。

2.千鳥

タケスに並び、千鳥もチンドン屋の代表曲です。
チンドン屋によって軽快に演奏される「千鳥（ちどり）」も、もともとチンドン屋の曲として作られたのではなく、箏の合奏などで演奏される邦楽の定番曲でした。
日本らしいメロディーとお囃子のリズムが、街を賑やかします。

3.美しき天然

「天然の美」とも呼ばれるこの曲は唱歌で、明治時代に女学校で唄われていました。
3拍子にのせて、もの悲しい旋律が歌われています。
チンドン屋の曲として以外にも、サーカスの曲としてよく演奏されるそうです。チンドン屋の間では、「天然」と略されています。

4.ドンドレミ

「ドドレミ〜♪」という音からはじまることから「ドンドレミ」というタイトルがついたこの曲も、チンドン屋の曲の大定番です。
チンドン屋にはクラリネットやトランペットなどの♭Bのキーの楽器が多いため、♭Bのキーで演奏されることが多いです。

5.四丁目

チンドン屋の仕事終わりの曲として演奏されるのがこの曲。「しちょうめ」と読みます。
こちらもタケスと同じく下座音楽として演奏されていたようですが、いつしかチンドン屋定番曲になりました。

チンドン屋の曲の楽譜

チンドン屋の曲の楽譜を探してもなかなか見つかりません。
それは、チンドン屋は楽譜を見て演奏しているのではなく、「吹いて伝える」「聴いて覚える」というスタイルで、曲を語り継いでいるところが多いからです。
なので、チンドン屋によってそれぞれ微妙にメロディが異なっていることもあります。

チンドン屋の曲の楽譜を探していたら、なんとクラリネットのアンサンブル譜をたくさん出版しているクラリキャット（by音楽の絵本）さんが、「チンドン屋メドレー」を出版していました！驚き！

「竹に雀」「美しき天然」「四丁目」のメドレーだそうです。編曲者の方のコメントに「なるべく雑に演奏するのがポイント」と書いてありました。なるほど、、、。

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サックス4重奏版もあります。

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チンドン屋は懐かしい曲から、最近の曲までさまざまな曲を演奏しますが、チンドン屋ならではの曲、というのは以下の5曲くらいかもしれません。

・竹に雀（タケス）
・千鳥（チドリ）
・美しき天然（天然）
・ドンドレミ
・四丁目（しちょうめ）

この5曲を覚えておけば、チンドン屋のレパートリーの基本はすべておさえることができたと言ってよいでしょう!

2019.12.31

2020年の音楽家の働き方。フリーランスとして収入を得るには？

クラシック音楽家として収入を得られるのはほんのひと握りだと言われていました。
確かに、1000人規模のコンサートをおこなうソリストや、オーケストラに所属することができるのはほんのひと握りです。

このコラムでは音楽家として安定して就職するにはどうしたら良いか。
また、フリーランス音楽家の収入源についてお伝えし、フリーランス音楽家としてこれまでに私がしてきた仕事も赤裸々にご紹介します‥！

2020年の働き方はフリーランスの時代が来ていると言われている今、音楽家として収入を得る方法も多様になってきていると考えられます。
これからの時代の波にうまく乗って、音楽家として幸福に生きていく方法について書きました。

音楽家として就職する方法

音楽家（演奏家）として会社に所属して、一定の収入を得ることができたら夢のようですよね。
時間や活動の自由は制限されますが、安定した収入を得ることができるのは就職でしょう。管楽器奏者が演奏をすることを仕事として就職できる業種は以下のものがあります。

・オーケストラ
・ブラスバンド
・自衛隊の音楽隊
・警察の音楽隊
・消防音楽隊

日本国内のオーケストラの数は約36、ブラスバンドは約3で、それぞれの団体によって雇用形態が異なります。
これらは基本的に副業可能ですので、それぞれの音楽活動をおこなっています。プロのオーケストラ奏者、ブラスバンド奏者になるには厳しいオーディションに合格する必要があります。

自衛隊、警察、消防の音楽隊はブラスバンドの演奏家として仕事をすることになります。
自衛隊では数年前に初めて声楽の採用がありました。
警察音楽隊は、音楽家としての仕事と、そうでない警察の一般業務との比率が各都道府県によって大きく異なります。
消防音楽隊は契約雇用がほとんどで、就職とは言えないかもしれません。

フリーランス音楽家の収入源

上記のような仕事以外に、音楽家の収入はどんなものがあるのか、主なものをご紹介します。

・コンサート
コンサートは誰が企画をおこなっているのかによって収入の入り方が変わってきます。自主企画ですと経費以外が収入になります。演奏以外にも企画やチラシやチケットの作成、宣伝活動も重要になってきます。

・依頼演奏
イベントやパーティーなど主催者に依頼されて演奏を行います。コンサートの主旨などは決まっていることが多いので、曲を決めて演奏をおこなうのみです。

・オーケストラのエキストラ出演
オーケストラの団員さんに依頼されて助っ人としてオーケストラのコンサートに出演します。依頼は１回１回のコンサートごとにいただきます。

・レッスン
生徒さんと直接やりとりをする場合は、いただいた額が全て収入になります。自分で教室を運営している人も同じです。個人レッスンだけでなく、吹奏楽部やオーケストラ部の外部講師というレッスン方法もあります。

・教室の講師
楽器店や音楽教室の講師は、生徒の数（レッスンの数）によって一定のお給料を受け取ります。生徒が支払う額から、経費などを引かれた何%かが収入になるということです。

・レコーディング
テレビなどで使用される録音の仕事です。首都圏以外は仕事の数が非常に少ないです。

フリーランス6年目の私がこれまでにした仕事

私は大学院終了以降ずっとフリーランスのクラリネット奏者として仕事をしてきました。
クラシック音楽がメインですが、音大生時代からバンドをしていたご縁もあり、その他のジャンルにも精通してきました。

収入の大小は問わず、一応音楽家として収入を得たお仕事をできるだけ細かく箇条書きにてご紹介します。
働き始めた頃は音楽で仕事をするなんて大変‥‥と思っていましたが、数年間でこれほどさまざまなお仕事に巡り合うことができました。

・オーケストラのエキストラ
・寄せ集めの吹奏楽での演奏
・寄せ集めオーケストラでの演奏
・ソロのリサイタル（自主企画）
・アンサンブルのコンサート（自主企画）
・アンサンブルでコンサートへ出演（チケットノルマ制（一定以上から収入になる）
・バンドのライブ
・野外音楽フェス出演
・バンドで学校公演
・バンドでCDリリース
・企業のパーティーでの演奏
・レストランでの演奏
・ホールからの依頼演奏など、他依頼演奏多数
・楽器選定
・メーカーでの楽器の販促、アドバイザー
・音楽アプリ開発の企画
・チンドン屋での演奏
・チンドン屋で海外ツアー
・ビアガーデンでチップ制の演奏
・ストリートライブ
・演歌歌手の方の舞台での芝居と演奏
・ロックバンドのライブでのパフォーマンス
・個人レッスン
・グループレッスン、ワークショップ
・講習会講師
・吹奏楽部でのクラリネットパートの指導
・吹奏楽部、オーケストラ部で合奏指導
・オーケストラ部のクラリネットパート、木管セクションの指導
・オンラインでのレッスン

以上、思いつく限りあげてみました。このように見るといろいろな仕事をしていますね‥‥。

半分以上は同業の方（演奏家の方）からの依頼で、その他は企業や団体、企画会社さんからの依頼です。
ひとつひとつのご縁が仕事にそして、音楽家としての収入につながっていくのだと、今でも毎回お仕事をいただくたびに嬉しい気持ちになります。

音楽家として仕事の依頼が来ることは嬉しいですが、思うように仕事がいただけず、収入が少ないこともあります。
そんなときも、立ち止まらずに何か自分からアクションを起こすようにしています。
具体的には、自分でコンサートを企画したり、レッスンの生徒さんが増えるにはどうしたら良いのか考えたりしてきました。

フリーランスとして生きていく限り、今ある仕事が数年後にはある保証はどこにもありません。
常に自分をアップデートし続け、自分が必要とされる場所はどこなのか、必要とされるにはどんな自分になれば良いのかを考え続けなければいけません。

2020年の音楽家の働き方

2020年はフリーランスの時代が来ると各業界でいわれています。そんな時代に音楽家の働き方はどんな変化を見せるのでしょうか。

挫折からの思考

私はなぜ、大学院卒業後フリーランスとして働く道を選んだかというと、「オーケストラに入りたかったから」です。「オーケストラのオーディションに合格するまで、何とか食いつなぐ」くらいに思っていることもありました。

しかし、オーディションに落ちまくり、コンクールでも大きな実績を挙げられずに行き詰まっていたところ、怪我や病気が重なりオーケストラに入るということは現実的ではなくなりました。

そして再び、音楽家として生き続ける方法を考えました。「どうしたら、フリーランスの音楽家として生き抜くことができるのか」来る日も来る日も考え続けました。

音楽家は時間がない

音楽家の生活はタフでないとこなせません。仕事をしている時間の他に、練習時間、コンサートの企画をしたり、勉強をしたり、仕事の予習をしたり、やるべきことは常に山積みです。

これまで、（当たり前かもしれませんが）収入を得るために多くの時間を使っていました。

私は、人生の多くの時間を出来るだけ多く音楽のことを考える時間に使いたいと思っています。そのためには、できるだけ収入を得るためだけにおこなっている仕事を減らしたり、効率よく行わないと身体がもたないなと思いました。

生活を維持しながら、音楽に没頭する時間を作るには、
「収入アップ」または「自分が働かなくても収入を生み出す」ことが必要なのではないかという考えに至りました。

音楽家の収入を上げるには

収入アップには自分の価値を高める必要があると考えられます。

これまで、「演奏の仕事だけで食べられない音楽家は売れない音楽家だ」とう変な偏見が自分の中にありました。

しかし一方では、自分も含め「音楽家は演奏などの高い専門スキルを持ちながら、うまく収入として還元できていないな」という風に考えていました。そんなとき、ある人の言葉にはっとさせられました。

「スキルとスキルの掛け算で最強人材になれる」

これは、仮にクラリネットを吹ける人材が100分の1、英語を堪能に話せる人材が100分の1だとしたら、その人は１万分の1の貴重な人材になれるということを言っています。

実際にはクラリネットを吹ける人はそれ以下の人数だと思いますので、それより貴重な存在ですね。音楽家のスキルは貴重なものです。憧れる人だってたくさんいます。自信を持ってください！（これは自分へのメッセージかもしれません‥）

まずはこのスキルを大切にして、もうひとつ何か強みを作ることで自分の価値を上げて、自分にしかできない仕事ができれば、それが価値になり収入は自ずと上がっていきます。

自分が働かなくても収入を生み出す（YouTubeを例にとって）

2020年はYouTube時代が来ると言われています。
2019年、ダルビッシュ選手やお笑い芸人のオリラジの中田さんが有益なコンテンツを発信するチャンネルを立ち上げたことは衝撃的でした。

自分が働かなくても音楽家が収入を得る方法を、YouTubeを例にとって簡単にお話ししたいと思います。

YouTubeは再生回数などにより広告収入を得ることができます。

YouTubeを自分で発信するのはすごく作業に時間がかかります。しかし、いちど投稿したものから収益を得ることができたら、それ以降は時間を取られません。

極端な言い方をしますが、演奏の仕事はいちど終えたらそれ以降収入が発生することはありませんが、コンテンツを投稿して広告収入を得ることができたら、コンテンツが働いてくれて、自分自身はそれ以降働かなくても収入を得ることができます。

YouTubeだけでなく、ブログも同じ仕組みになります。（収入を得る詳しい方法はここでは割愛させていただきます。）

音楽家はYouTubeに向いています。演奏という武器を持っているからです。また、音楽家は人前で話したりすることが得意な人が多いのではないでしょうか。

人が価値を感じるコンテンツを投稿すれば自然と集客（アクセス）は集まります。音楽家としての価値を提供してほしい人はいます。今持っている音楽家としてのスキルを活かす方法はたくさんあるのです。

まとめ

音楽家として収入を得るには様々な方法があります。
演奏家として就職を考えるならば、プロのオーケストラやブラスバンドのオーディションを受けるか自衛隊や警察音楽隊に入る方法があります。
その他の音楽家はほとんどフリーランスとして働いています。

フリーランスとしての仕事は多岐に渡ります。これからの時代は自分の価値を高めて、それを提供していくことによって収入が得られる仕組みになってきます。
音楽家としてのスキルに付加価値をつける強みをもうひとつもっておくと、最強の人材になり、あなたにしかできない仕事が生まれて、収入アップにつながるかもしれません。

2019.12.28

イエモンのライブにも登場？チンドン屋の仕事とは

THE YELLOW MONKYの曲「DANDAN」で「派手な着物のチンドン屋さん」という歌詞が登場しますが、チンドン屋とはどんなものかご存知でしょうか。

「チンチンドンドン♪」と太鼓を叩きながら街を練り歩くチンドン屋。年配の方にはなつかしく、若い方には物珍しい存在でしょう。

チンドン屋とは、パフォーマンスをすることによって注目を集め、お店などを宣伝する日本特有の広告宣伝業です。

チンドン屋の仕事は戦後にピークを迎えますが、その後、仕事としては衰退し、現在では日本のプロのチンドン屋は全国で約30チームほどです。今となっては本物のチンドン屋さんをみた事があるという人は少ないかもしれません。
街行く人に音楽と笑顔を運ぶチンドン屋の仕事についてご紹介していきます！

チンドン屋とは

チンドン屋は太鼓などをならしながら街を練り歩き、お店などを宣伝する、請負型の広告宣伝業です。
派手な着物などを身につけ、演奏をするだけではなく、口上をしたり、チラシを配ったりします。

チンドン屋は日本特有の職業です。日本の伝統的な文化でありながら、大衆的な要素も多く含んだ、ミクスチャーなパフォーマンスのスタイルをとっています。

チンドン屋の歴史

チンドン屋は日本の広告宣伝業のはじまりといわれています。
良い声を持った飴売りの飴勝さんという人が、飴売りの商売の傍ら、請負宣伝として寄席の客引きもおこなうようになったことがきっかけでした。

チンドン屋は第二次世界大戦後ピークを迎え、全国にチンドン屋が約2500人いました。人手不足により、どんな人でも駆り出されてチンドン屋として働かされていたことから、「バカ、アホ、チンドン屋」などと差別用語として使われるようになってしまったという説もあります。

チンドン屋の楽器

現代のチンドン屋は3人編成が1番多いです。
人数が多いときは鳴り物だけではなく、チラシ配りをしたり、旗持ちをしたりする人もいます。

「チンドン太鼓」「ゴロス」「楽士」の編成を取ることが一般的です。

チンドン太鼓

鉦と締め太鼓を組み合わせた太鼓。鉦が「チン」、太鼓が「ドン」と鳴ることからチンドン屋と呼ばれるようになりました。

ゴロス

フランス語で、大太鼓という意味の「グロスケース」に由来します。ゴロスは和楽器なのにフランス由来なのです。ゴロスはとても重そうですが、見た目よりは意外と軽いです。

楽士

メロディを演奏する人のことを総じて楽士（がくし）と呼びます。楽器は特に決まっていませんが、クラリネットやサックスの管楽器が担当することが多いです。

チンドン屋の見た目

チンドン屋の見た目は派手です！街行く人の注目を集めるために、チンドン屋はカラフルな衣装をまとい、派手な化粧を施しています。衣装は着物などの和装が多いですが、洋装のこともあります。

昔のチンドン屋さんは白塗りでおどろおどろしい化粧をしていたので、子供たちが怖がってしまうということもありました。しかし、現代はさまざまな見た目のスタイルのチンドン屋がいます。
いわゆる昔ながらのチンドン屋らしいちょんまげのカツラスタイルのところもあれば、カラフルな髪の色のポップな見た目のチンドン屋もいます！